[...]

Para poder levantarse sin prisas…

Tal vez escapar muy lejos…

Da lo mismo solo que rodeado de amigos…

El caso es tener tiempo para pensar tranquilo…

Poder sentir la arena húmeda bajo los pies descalzos…

Descubrir la naturaleza…

Asistir a un concierto…

Mejor aún, aprovechar para aprender a tocar un instrumento…

O quizás…

Simplemente…

No hacer nada…

Hasta Pronto…

Todas las obras son acuarelas de Steve Hanks.

Lo descubrí gracias a un E-mail que me envió 150BEL. Muchas gracias por tan bonito regalo.

Alberto Durero fue el más famoso de los pintores del Renacimiento Alemán. Artista prolífico, genial y con un cierto toque enigmático, nos dejó numerosos cuadros, grabados y escritos teóricos sobre el arte que ejercieron una gran influencia en artistas posteriores.

Pero entre todos los trabajos de Durero hay unos que son especialmente curiosos por los que nos aporta sobre la vida del pintor. Son sus autorretratos, iniciados desde su más tierna infancia y que se alargan hasta llegar a su madurez  y que nos permiten hacernos una idea muy clara de como fue la vida (al menos físicamente) de este gran pintor.

Su primer autorretrato realizado a “punta de plata”, técnica que consistía en grabar con un puntero de plata sobre una superficie que tenía aplicada una capa de cera o imprimación.

Tenía 13 años (1484).

Autorretrato con una almohada. Tinta sobre papel.

20 años (1491).

Autorretrato con un cardo. Museo del Louvre.

22 años (1493).

Su autorretrato más conocido y quizás también una de sus obras más famosas. Se puede ver en el Museo del Prado.

27 años (1498).

Al siguiente autorretrato, muy polémico en su tiempo, le envuelve un halo de misterio que tiene desconcertado a los investigadores.

Es el más inquietante y su misterio no se aclarará probablemente jamás. Durero se representa frontalmente como una especie de Cristo surgido de las tinieblas, en un despojamiento monumental, con largas tranzas doradas que provocaban el sarcasmo de los venecianos.

¿Identificación del genio del artista con el genio creador divino, profesión de fe en el clasicismo del Renacimiento, monumento idealizado de su propia gloria? El problema sigue sin ser resuelto.

B. Zumthor

Pintado en el 1500, el pintor contaba con 29 años.

Atrevido y con mirada desafiante. Autorretrato desnudo.

33 años (1504).

Como era costumbre de muchos pintores, Durero también se retrató dentro de una obra suya, “La Virgen de la Fiesta de la Rosa”.

Tenía  35 años (1506).

Autorretrato señalándose un costado. ¿Nuevamente se identifica con lo divino?

50 años (1521).

Hombre con dolor. Su último autorretrato.

Tenía entonces 51 años (1522).

En 1528, con 57 años ,Alberto Durero fallece en la ciudad de Nuremberg.

Firma de Alberto Durero.

Más en:

Alberto Durero (Wiki)

Autorretrato (1498) (Wiki)

Autorretrato (1500) (Wiki)

Galería Autorretratos (Wikimedia)

Supongo que todos conocemos el célebre cuadro de Las Meninas de Velázquez y podría apostar que no lo hemos visto sólo una vez, sino muchas en diferentes ocasiones y momentos. Sin embargo, la mayoría de nosotros, cegados por la ignorancia, no vemos más que un cuadro. Una bella y cotidiana estampa palaciega sin ningún tipo de malicia.

Pero nada más lejos de la realidad. En una época en que las cosas sólo se podían decir sin decirlas, Velázquez quiso que sus Meninas fueran un auténtico panfleto reivindicativo.

La pintura, conocido en un principio como “El cuadro de la familia real” refleja, como digo, un momento normal en la vida de la corte española. La infanta Margarita, protagonista del cuadro y acompañada de su séquito habitual, hace una visita al maestro Velázquez mientras está trabajando.

En ese momento entran en la habitación los reyes (Felipe IV de España y Mariana de Austria.) y todos los personajes del cuadro, incluido Velázquez que deja su trabajo,  dirigen su atención a los monarcas cuya presencia se puede ver en el reflejo del espejo que hay al fondo.

Todos los personajes del cuadro, menos el número 7, están identificados. Lista de los personajes

Hasta aquí todo más o menos normal, lo dicho, una aburrida escena cotidiana. Pero la interpretación que hacen algunos expertos no es tan cándida. Según estos investigadores, Velázquez reclamaba por aquel entonces un trato más preferente para los pintores, considerados simples artesanos, mientras que en otros países como Italia, la pintura era un noble arte y los pintores considerados grandes cortesanos y con acercanza a la nobleza.

Por eso Velázquez, que además buscaba ser nombrado hidalgo, quiso reivindicar la nobleza de su arte retratándose con la familia real en pleno y además nada de escondido, sino como uno de los personajes principales del cuadro, al lado mismo de los monarcas. ¡El tío con un par!

De todos modos, el gran maestro era rebelde y arrojado pero no estúpido y por eso guarda una debida y educada lejanía con los monarcas pintándolos en el reflejo del espejo y manteniendo así la distancia que aconsejaba el protocolo y la prudencia.

Detalle de los reyes en el espejo.

De las Meninas se ha dicho:

Las Meninas son como un manifiesto sobre la pintura como arte liberal.

Pero no es éste el único mensaje que se ocultaría en la obra. Otros investigadores afirman, apoyándose en los conocimientos de astronomía que tenía Velázquez, que trazando una línea que una las cabezas de los personajes principales se forma la constelación Corona Borealis, cuya estrella principal se llama Margarita al igual que la infanta, personaje protagonista del cuadro.

Constelación Corona Borealis y en el centro  un círculo, símbolo del sol y la perfección donde están los reyes.

De todos modos, conviene aclarar que sobre todo lo anteriormente expuesto no hay prueba documentada alguna y todo se basa en largos y concienzudos estudios  realizados sobre el cuadro  y el pintor durante largos años. También cabe la posibilidad de que sea simplemente lo que parece, una escena costumbrista ejecutada de una forma y con una técnica magistral.

Para los que quieran saber un poquito más sobre las peculiaridades de esta pintura, recomiendo vean este vídeo. Son siete enriquecedores minutos que te ponen al día sobre tan magna obra.

Más en:

Las Meninas (Wiki).

Las Meninas (ArteHistoria).

(By Kanthesis)

Desde esta página, nunca he disimulado mi afición por la historieta y el cómic en general y por Asterix y Obelix en particular.

Así que de nuevo, me voy a salir por la tangente en lo que a temas históricos se refiere y me voy a desmarcar con 10 visiones un tanto “peculiares” de estos guerreros galos.

(By Steampunk-girl)

(By Neolayn)

(By Rhemora)

(By Trezh-Ur)

(By Manfred Deix)

¡CRÍOS! (By Jean-Louis Mourier)

Hernandix y Fernandix  (By Martin Veyron)

(By Lilumi)

Asterix (By Dramod)

Asterix y su papá Uderzo (By Guarnido)

Hay muchas más aquí y sobre todo aquí.

Nota: Realmente hay 1o visiones diferentes más la de la cabecera, es decir, once en total. 

La escuela de Atenas no es sólo una conocida, formidable y enorme obra de arte de siete metros de base y cinco de altura pintada por el gran Rafael.

La pintura también es una galería de personajes clásicos donde en un genial guiño del pintor,  convierte a los genios del renacimiento contemporáneos y amigos suyos, en los más grandes sabios de la antigüedad.

En el centro del cuadro destacan dos personajes. El de la derecha, que señala con su mano a la tierra es Aristóleles y el de la izquierda, con el dedo apuntando al cielo es Platón, aunque su rostro es el del gran Leonardo DaVinci.

— —

—

También en el centro pero más abajo encontramos a Heráclito, quien en realidad es el gran Miguel Angel. Dicen que Rafael lo pintó en un lugar tan preferente por lo asombrado que quedó al ver la obra de la Capilla Sixtina.

— —

—

El que traza algo con el compás es Arquímedes, pero con el cuerpo de Bramante, maestro arquirtecto y amigo de Rafael.

— —

—

El que sujeta la esfera es Estrabón, geógrafo e historiador griego y el del centro, el que asoma la cabeza como si quisiera salir en la foto, es el  propio Rafael representando al pintor de la antigüedad Apeles.

— —

—

Todos los rostros representados en el cuadro son personas reales aunque el resto no son tan conocidos como los ya citados o simplemente no se han podido identificar. De todos modos, la galería de eminencias clásicas podría continuar. Como por ejemplo con este grupo de científicos donde se identifica a Hipatia (De blanco de pié). El del turbante que es Averroes y también a Anaximandro que es el que está  copiando, ni más ni menos, que al gran Pitágoras.

— —

—

También hay personajes heroicos como Alejandro Magno (con el yelmo) y Jenofonte que no quiere ni mirar al conquistador (sus razones tendrá. ).

NOTA: Algunos personajes pueden variar según se consulte unas fuentes u otras.

Más en:

La Escuela de Atenas. (Wiki)

Galería de Personajes. (Wiki)

Un Cuadro filosófico. La escuela de Atenas. (Pdf)

La escuela de Atenas ¿Quién es quién?. (Inglés)

Cardinal Granvelle. (Antonio Moro. 1560)

El Siglo de Oro español fue prolífico en muchas cosas y  todos conocemos a algún escritor, arquitecto, pintor, etc que vivió durante aquella dorada época. Pero también, durante ese periodo, abundaron por la corte de los Austria otro tipo de personajes, digamos que algo menos “glamourosos”; Los Bufones.

Locos, enanos, negros y niños palaciegos , llamados gente de placer, pululaban por los palacios para divertimento y regocijo de la nobleza y, aunque de la vida de estos personajes apenas se conoce nada, hasta nosotros han llegado sus rostros retratados por la mano de grandes maestros como Coello, Moro o el gran Velázquez.

El ejemplo más cercano y conocido por todos está en el  cuadro de Las Meninas.

A la derecha se puede ver a  Maribárbola y el que le da la patada al perro es el enano Nicolás Pertusato quien, por cierto, llegaría a ser nombrado ayudante de cámara, un cargo interno bastante importante.

Se cree que Velázquez, en este cuadro en concreto, incluyó estos dos personajes para que no destacara y disimular el mal que sufría la protagonista del cuadro, la princesa Margarita de Austria, ya que se piensa estaba aquejada del síndrome de Albright.

Princesa Margarita

Pero no hacía falta excusa alguna para que estas personas fueran retratadas y abundan las pinturas sobre ellos, tanto solos como acompañados.

El loco Pejerón. (Antonio Moro. 1577). Según los escritos, la procedencia de gran parte de los personajes con deficiencias mentales constaba como zaragozanos. Probablemente por existir, en aquellos tiempos en Zaragoza, un gran manicomio.

El bufón torero.Cristobal Castañeda , “Barbarroja” (Velázquez. 1634). De este se cuenta que un mal chiste le costó el destierro. Al parecer preguntó un día el rey si había olivas en cierto pueblo. Cristobal contestó: «señor, ni olivas ni olivares» aludiendo al conde-duque de Olivares. La gracieta le costó acabar desterrado en Sevilla.

Diego Acedo Velazquez “El Primo” (Velázquez. 1660) . Lo de “El Primo” viene por su segundo apellido ya que, con sorna,  todo el mundo preguntaba al pintor si era primo suyo.

El niño de Vallecas. (Velazquez. 1599)

Bufón Juan de Austria. (Velázquez.) Como apenas se sabía quienes eran y casi ni su nombre, a estas personas  se acostumbraba a ponerle el nombre de su amo. En este caso Juan de Austria.

Felipe IV y el enano soplillo. (Villadandro. 1621). A los grandes personajes les gustaba retratarse con estos personajes probablemente para así parecer ellos más grandiosos.

Como ya dije y a pesar de la abundancia de retratos, apenas se sabe nada de todos estos personajes y su pista es difícil de seguir. No tenían profesión oficial  y por tanto no cobraban sueldo alguno y de las pocas constancias escritas que hay sobre ellos son algunos apuntes que aparecen en las cuentas reales como los gastos de viaje cuando acompañaban a algún noble o la compra de vestidos y zapatos de tallas “extrañas”.

Visto desde nuestra perspectiva actual, puede parecer demasiado cruel la humillación a la que se sometía a estas personas, pero hay que pensar que su posición, en muchos casos, llegaba a ser privilegiada e incluso envidiada, disfrutando de grandes favores. Además, no era infrecuente que se creara entre amo y bufón  unos sólidos lazos de amistad y cariño como lo demuestran unas cartas de Felipe II en donde  expresa su preocupación por  la salud de la enana Magdalena Ruiz. (Cuadro de abajo)

Yo creo que Madalena no está tan enojada conmigo, pero ha días que está mala y hase purgado y quedado de muy mal humor; y ayer vino acá, y está muy mal parada y flaca y vieja y sorda y medio caduca; y creo que es todo del beber, que por esto huelga de estar sin su yerno.

Y yo digo que aunque se le levanten los pies (a Madalena) cuando oye algún son, se cansa ya tanto que no puede bailar. Y el otro día tuvo un desmayo y ha quedado harto flaca.

Infanta Isabel Clara Eugenia con la enana Magdalena Ruiz. (Coello.) Como nota curiosa, este es el apunte contable de unos vestiditos que se compraron a los monos que Magdalena sujeta en los brazos.

VESTIDOS PARA LA MONA: En 13 de octubre dos varas de raso verde y amarillo labrado para una saya a una mona que mandó su alteza vestir.- Más tres cuartas de holandilla encarnada para forro.- Más catorce varas de pasamanos de seda de dos colores para guarnecerla.- Más vara y media de tafetán amarillo y encarnado frisado para una ropa y basquiña para dicha mona.- Más doce varas de pasamanos de seda de dos colores para guarnecer la dicha ropa y basquiña.- Más media vara de holandilla para un sayo turco para la dicha mona.- Más una vara de bayeta de Flandes para forro.- (Y otros aderezos para completar este sayo turco). Total, el primer vestido cuesta 3768 maravedíes, y el segundo 2590 (año 1593)

De todos modos, y menos mal, el arte ha permanecido y todas estas “modas” han quedado muy atrás.

Más en:

Locos, enanos, negros y niños palaciegos. Gente de placer que tuvieron los Austrias en la Corte española desde 1563 a 1700. (Cervantes Virtual)

Lista de enanos y bufones por orden cronológico. (Cervantes Virtual)

Enanos y otros mal llamados “monstruos de la naturaleza” en el Arte

NOTA a todos los lectores de Feeds y suscriptores  de E-Mail.

Está habiendo algunos problemas con las imágenes que afectan a los lectores de Feeds y a los que lo reciben por correo. El motivo es una protección que he tenido que poner para evitar el dichoso HOTLINK que me hacen continuamente. Espero poder ir solucionando el problema pero de momento no puedo quitar esa protección ya que el asunto estaba llegando a límites preocupantes (hasta que lo puse, más de la mitad de ancho de banda que consumía era provocado por hotlink, es decir, ajeno a mi y pagándolo yo)

Por eso os ruego un poco de paciencia y recomendaros que para estar seguros de ver bien la entrada con todas sus imágenes, visitéis la página directamente.
Como ocurre a menudo tienen que pagar justos por pecadores y por eso os pido nuevamente paciencia y ruego sepáis disculparlo.

Gracias a todos.
Un Saludo.

El Grito de Edvard Munch es una de las más célebres pinturas de todos los tiempos y es uno de los más reconocibles iconos culturales de nuestro tiempo. No es de extrañar. Sus colores estridentes, sus rotundas pinceladas y sus retorcidos trazos lo convierten en una de las más realistas expresiones de la angustia y del dolor del ser humano.

Por eso, tampoco es extraño, que la historia que hay detrás de este cuadro sea tan tortuosa como los trazos que lo componen.

Edvard Munch (1863-1944)

El origen de este cuadro y de toda la obra de Munch hay que buscarlo dentro de la cabeza del pintor. Un padre excesivamente severo, una infancia enfermiza y el trauma de, siendo un niño,  presenciar la muerte de su madre y una hermana llevan a Munch a sufrir serios problemas mentales que hoy en día se diagnosticarían como un desorden bipolar. El mismo Munch lo explica así:

“La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles que rodearon mi cuna y me siguieron durante toda mi vida”

Munch trabajando en la playa

La mezcla de un talento innato y su locura, dan como resultado el genio de la pintura que hoy conocemos por sus angustiosos cuadros, en donde destaca sobre todos los demás, “EL Grito”.

El cuadro comienza a gestarse en una tarde de 1892 que el pintor describe así en su diario:

Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

De esta visión nace primero el cuadro titulado, “La Desesperación”.

Aunque, no quedando satisfecho con el resultado, decidió pintar otro bajo el mismo título.

Aún así, el pintor seguía sin expresar lo que realmente quería hasta que un día, basándose en una momia peruana que había visto en la exposición universal de París, pintó su primera versión de El Grito de la que hizo hasta cuatro versiones diferentes.

Momia en la probablemente se inspiró Munch para su cuadro

La obra la expuso por primera vez en 1893 y formaba parte de una colección de varias pinturas bajo el título de “El Amor”,donde Munch quería mostrar las diferentes etapas de un romance y donde El Grito era, tras un trágico fin del romance, el último cuadro de la serie.

Abajo algunos de los cuadros de la serie entre los que se encuentran obras tan conocidas y espléndidas como La Madonna.

El extraño gusto de Munch  no gustó al público del momento siendo calificado como un arte demente. Un critico consideró la obra en general y El Grito en particular, tan perturbador que aconsejaba que no fueran a verlo las mujeres embarazadas.

Posteriormente, y a pesar de que el régimen nazi prohibiera el arte de Munch al que  consideraba un autor degenerado, su obra comenzó a tenerse en la consideración que se merece. Sin embargo, su obra más famosa no encontraría la paz ni siquiera después de la muerte del autor.

Hasta en dos ocasiones ha sido robada y otras tantas ha sido recuperada tras varias peripecias. La primera ocurrió en 1994 cuando dos hombres, colándose por una ventana del museo de Oslo, simplemente cortaron el cable que unía el cuadro a la pared y se lo llevaron. Tardaron 50 segundos en hacerlo y además tuvieron el detalle de dejar una nota donde ponía: Gracias por la falta de seguridad.

A los cuatro meses fue recuperado por la policía. El ladrón, Pal Enger, declararía en una entrevista varios años después.

Por primera vez confieso que estaba detrás del robo, lo planeé durante cuatro años, y no fue el dinero lo que me movió a hacerlo, sino el reto y el juego.

El siguiente robo fue en 2004 pero en esta ocasión fue a plena luz del día y a mano armada ,llevándose también el cuadro de la Madonna del mismo autor. El momento en que se llevaban los cuadros fue captado por las cámaras.

Esta vez los cuadros estuvieron desaparecidos durante dos años hasta que fueron de nuevo recuperados por la policía aunque por desgracia, El Grito, se encontró ligeramente dañado.

Desde entonces, y al menos hasta el momento, las cuatro versiones de tan famoso grito están a buen recaudo. Tres se conservan en museos y uno está en posesión de un particular.

Más en:

Edvard Munch (Wiki)

El Grito (Wiki)

Algunos cuadros más de Munch (Wikimedia)

Entrevista al ladrón del primer robo.

Noticia en el El País de la recuperación del segundo robo(2006).

Coro de la catedral de Toledo. La sillería es obra de Rodrigo Alemán.

Rodrigo Alemán (1470-1515) fue un escultor-tallista español . Suyas son las sillerías de los coros de las catedrales de Toledo, Ciudad Rodrigo, Plasencia y Zamora (en esta última existen dudas sobre su autoría) y  está considerado como uno de los mejores artistas en su género de todos los tiempos.

Lo que ocurre, es que según cuentan, el Maestro Rodrigo era judío converso y aprovechó estos sagrados encargos para hacer mofa de la iglesia, algo que la inquisición no vio con demasiados buenos ojos. Y ya se sabe que en aquellos tiempos, con el Santo Oficio, bromitas las justas.

Sillería de la catedral de Plasencia.

La biografía de Rodrigo Duque “El Alemán” es bastante confusa. Poco se sabe de su vida más que nació en Sigüenza (Guadalajara) y que su familia era de procedencia centro-europea, de ahí su apelativo de Alemán. Pronto empezó a destacar por su increible habilidad a la hora de trabajar la madera y gracias a su talento enseguida le comenzaron a llegar encargos de las más importantes catedrales de entonces.

Pero, al parecer, el caracter rebelde e incoformista del Maestro Rodrigo, que se supone era judío converso, hizo que aprovechara su habilidad con la madera para burlarse de la santa iglesia católica delante mismo de sus narices.

Coro catedral de Toledo.(detalle)

Entre los diferentes motivos sacros con los que adornaba sus sillerías, Alemán tallaba otros motivos menos castos e incluyó diversas figuras zoomórficas como centauros, monos, quimeras… la mayoría en actitudes y poses obscenas, además de algunas escenitas de zoofilia y homosexualidad.

Además, el “inocente” maestro, acostumbraba a colocar estas figuras en lugares un tanto embarazosos para los frailes, pues las tallaba en los apoya brazos o en las “misericordias”, que son la pieza en los asientos del coro donde los orantes apoyaban sus cristianas posaderas.

En estas “misericordias” se podían apoyar los frailes cuando tenían que estar de pié durante los largos rezos. (Catedral de Toledo)

Naturalmente, estas “inocentes” bromas acabaron llegando a oídos del Santo Oficio y cuando se le inquirió sobre lo poco apropiado de una de sus tallas, el maestro Alemán no se le ocurrió otra cosa que espetarles:

!Ni dios mismo podría hacer otra mejor¡

Fue acusado de blasfemo y hereje y lo único que le salvó de no acabar en la hoguera fue que intercedió por él el cabildo de la catedral de Plasencia ,quien admiraba profundamente su arte. En vez de que el maestro acabara chamuscado, el cabildo convenció a la inquisición para que “sólo” lo encerraran de por vida en la torre de la catedral de Plasencia, donde se le suministraría  el material necesario para que pudiera seguir cultivando su arte.

Catedral de Plasencia donde estuvo encerrado Rodrigo Alemán.

Una vez allí encerrado, Rodrigo empezó a preparar su intrépido plan de fuga. Sólo había una forma de escapar de aquella torre y era volando, así que comenzó por ponerse a régimen y exigió que sólo se le sirviera carne de ave y además dispuso que las piezas  le fueran servidas enteras, pues él mismo se encargaría de prepararlas.

A base de desplumar aves fue investigando y experimentando con ellas y estudiando su cantidad y disposición en las alas, llegando a la conclusión de que:

Para sostener dos libras de carne(908 gramos), se necesitaban cuatro onzas de plumas(456 gramos).

Como herramientas no le faltaban y con los cálculos realizados, comenzó la construcción de un artefacto plumífero. Lo hizo a base madera, telas, cueros y por supuesto, plumas.

Boceto de Leonardo DaVinci de un “hombre-pájaro”, de aproximadamente el año 1500. Tal vez Rodrigo Alemán se inspirara en algo así.

El final de su fuga es incierto y hay versiones para todos los gustos. Unos dicen que se mató, otros cuentan que consiguió sobrevolar “más de un cuarto de legua” atravesando la ciudad aunque murió en el aterrizaje y otros dicen que logró huir. El caso es que poco más se sabe del Maestro Alemán después de aquello.

NOTA: Aunque la historia parece inverosímil, existen motivos para creer que realmente pudo llegar a suceder. Naturalmente, de lo que no se duda es de que llegara a sobrevivir a semejante salto.

Visto en la revista:

HISTORIA de Iberia vieja. Nº40/2008

http://es.wikipedia.org/wiki/Rodrigo_Alem%C3%A1n